本樓層以探索繪畫中的抽象和表現形式為主題。來自不同時代的藝術家參與其中，彰顯了不同時代的藝術開拓精神。貝爾納·弗里茲（Bernard Frize）在1970 年代，當繪畫被認為是一種過時的媒介時，他提出了在平面和方形畫布的嚴格限制下，繪畫仍能展現一個新世界的可能性。卡塔琳娜·格羅斯（Katharina Grosse）曾就讀於杜塞爾多夫藝術學院，被公認為前衛藝術的先鋒人物，她曾多次通過自身實踐試圖推翻繪畫的傳統。Leiko Ikemura離開日本，先後在西班牙和德國等歐洲國家生活，在那里她通過繪畫和雕塑表達自己，穿梭於東西方不同的精神世界。此外，1986 年出生的透納獎得主奧斯卡-穆里略（Oscar Murillo），以及賈黛·法多朱蒂米（Jadé Fadojutimi）、謝克·馬桑武（Misheck Masamvu）和勞倫·奎恩（Lauren Quinn）等藝術家作品也在展覽之列。我們歡迎參觀者感受不同世代的表達方式是如何跨越時空產生共鳴的。

除了名和晃平的象征性作品之外，杉本博司的作品從一樓拾級而上，而一樓則根據田島美嘉和岡﨑乾二郎等藝術家的作品劃分為不同的區域。而在二樓則是一系列房間，在這些房間里，來自不同國家的藝術家各自的觀點與視角得以展現。除了以反諷的視角重新詮釋日常生活世界的瑞安・甘德（Ryan Gander）、體現當代社會女性柔美生活的翠西・艾敏（Tracey Emin）和路易絲・布爾喬亞（Louise Bourgeois）、關注少數群體和社區問題的西斯特·蓋茲Theaster Gates以及極簡主義藝術家丹・弗拉文（Dan Flavin）之外，還有池田亮司、奧拉佛．艾里亞森（Olafur Eliasson）、塩田千春、田島美加、Team Lab 和村上隆。在中央展廳，展出了兩位德國當代攝影界的代表人物的作品：安德烈斯·古爾斯基（Andreas Gursky）和湯瑪斯・魯夫（Thomas Ruff）的作品形成對比映襯。我們歡迎參觀者欣賞跨越了不同媒體、表達方式、國家和地區的當代表現形式。

即使生活在近鄰或同一時代，每個人看到的景色以及由此描繪的心理形象也會有所不同。本層介紹的是同一時代日本女畫家的繪畫作品。昭和和平成時期可以說是日本社會走向成熟時期前的一個不穩定、混亂和動蕩的階段。每位藝術家都從不同的視角捕捉了這段時期的狀態面貌。津上美由紀將她所到之地的所遇事件和經歷一一採集和組織起來；今津景將她作為藝術家的日常生活與被數字化環境包圍的當代社會交織在一起；近藤亜樹提醒我們應該要注意自己體內的能量流動以及各自的幸福本質；工藤麻紀子喚起了因日常記憶疊加而顯現的原始景觀。雖然不同藝術家的作品與個人之間有著相當的距離，但這些作品都是通過藝術家的日常生活、周圍環境和童年的原始風景交織而成。在觀察畫作的筆觸之外可看到的正是藝術家本人不斷追求實踐的形象。

這個展廳的展示主題在於變化、波動以及在時間層之中消失的事物之美。首先是澤拓的作品《home/home》（Absence），作品中飛機陣列的飛翔喚起了一種渴望的目光，讓人聯想到這個房間以外的更為廣闊世界，以及這種短暫的夢境。宮永愛子用萘（naphthalene）制作的作品通過化學反應改變其形態，從具象圖案逐漸變成晶體。另一方面，三島律惠的玻璃作品似乎是在捕捉和固定玻璃在高溫下變成流體的無定形形態，利用其作為保存裝置的特性延續玻璃本身的時間。在宮島達男的作品中，LED 計數器反覆閃爍，計數不斷變化，直到歸 0（零）時才會熄滅，這讓人聯想到結束和開始的概念以及靈魂的輪回。在這里，參觀者可以瞥見一個由光、形狀及其材料之間的關系所產生的表達世界。

本層展示松本陽子的大型作品。她在日本抽象表現主義以油畫為中心的時代背景下探索丙烯繪畫。受 20 世紀 60 年代在紐約接觸到的抽象表現主義和水墨畫等繪畫技法的影響，松本繼續專注於色彩引導形式的方式，而不局限於形式。她的畫作以強烈的能量和自由的體態創作，將光、影和色彩等元精心分層，在既不透明又有透明度的平面上個創作出多層空間。她避免了事先計算和初步草圖，而是釋放自己的自由和直覺，在身體積累的經驗引導下，通過動作創造出各種輪廓和色調。在近年，松本的作品繼在倫敦舉辦展覽之後，在世界範圍內廣受讚譽。這似乎亦反映了目前日本的女性藝術家越來越受到世界廣泛認可的趨勢。